Ensayo sobre la experiencia corporal en la época posmoderna, en la que la multiplicación y propagación de los mass media ha generado una situación de ubicuidad del cuerpo, de exposición pública permanente de lo corporal, una época en que la producción y circulación de significado tiende a la desmaterialización y en la que las nuevas técnicas de representación aspiran a tornar la tridimensionalidad concreta de la realidad en la bidimensionalidad de lo virtual.

En el enfoque de este estudio de la diversidad del arte, la autora ha elegido una táctica de choque, comenzando por el mundo artístico actual, dominado por obras que hablan de sexo o de sacrilegio, hechas con sangre, animales muertos e incluso orina y heces, para después hacernos recorrer hacia atrás la historia del arte. También pretende explicar por qué se valora el arte, teniendo en cuenta cuánta gente paga por tenerlo y coleccionarlo; quiénes son los artistas, qué es lo que hace que sean tan especiales; y termina preguntándose lo que nos espera en el arte del siglo XXI, en la era de Internet.

Desde la diversidad de perspectivas y posiciones, se aborda la complejidad de la relación entre arte y feminismo en el contexto del arte actual, en que la práctica, la teoría estética, la filosofía, la crítica literaria, la historia, el acontecimiento en sí mismo confluyen tejiendo una red a través de la cual se analizan los problemas y los cambios.

Desde las figuras de Piero della Francesca o Vermeer de Delft, esas presencias incorpóreas, hasta la atención actual a los cuerpos, el dolor físico y la carne cadaverizada, el agusanamiento o la podredumbre, las magulladuras y las heridas, la sangre o el semen, la orina, el vómito o los excrementos, se revisa una actividad estética que, después de privilegiar la pureza formal de las cosas, sufre una larga alteración ideológica cuya radicalización final la sitúa en un paraje de incertidumbres donde los signos son suplantados por las cosas, la imagen de los cuerpos, por los propios cuerpos, o la referencia a la materia, por la materia misma.

Concebida como una especie de eco formal de las instalaciones descritas por Raymond Roussel en su "Locus solus", la obra trata de temas como el cuerpo ideal, el desnudo, el cuerpo en movimiento, la piel pintada o tatuada, la vejación, el sufrimiento, transparencias y fragmentaciones corporales, la huella del cuerpo, la ropa, las lágrimas, el cuerpo en el espejo, el sexo, etc., es decir, traza un mapa, casi completo, del cuerpo en el arte actual.

Reflexión sobre el papel ejercido en las instituciones artísticas por quienes intervienen en el fortalecimiento y perpetuación de un modelo de arte que en su propia vacuidad sólo actúa como reflejo de un orden económico que es desorden social.

El autor propone y documenta la tesis de que el sistema de valores europeo está siendo sustituido en la actualidad por un universo de ideologías, prácticas, morales, simulaciones y condiciones de producción y comunicación en contradicción aguda con el pasado, y que ello no se debe a los cambios naturales de la sociedad propios del transcurrir del tiempo y del sucederse de las generaciones, sino que el cambio tiene su origen en el seno mismo de Europa y se manifiesta en las artes, los circuitos de distribución y comercialización de la industria cultural, la ideología del simulacro mediático como punto principal de referencia, la variedad vana de lo mismo, el reemplazo de la ética por las cómodas morales del relativismo cultural, el modo de pensar binario, ahistórico, y la desmaterialización del mundo en aras del carrusel de la representación.

Selección de ensayos en torno al arte actual, cuestionando temas como la sustitución de la "tendencia artística" por la "voluntad de tendencias" y la influencia de las iniciativas institucionales en la dinámica artística.

¿Qué puede encontrar aquí un lector interesado en el arte actual en Chile? No son estos los escritos de un artista (según T. S. Eliot, los poetas no aprecian a otros poetas, si lo hicieran tendrían el mismo proyecto). No son tampoco los de un galerista, que busca sobre todo entusiasmar a un posible comprador con ánimo de armar una colección. No son tampoco como los de los curadores, que muchas veces arman una narrativa propia en la que las obras tienen apenas el papel de una ilustración. Una aproximación a lo que esta escritura es tendría que ver, tal vez, con el amargo y fascinante ejercicio de traducir. Esta vez no de un idioma a otro, sino de un trabajo de pensamiento que se hace con lo material y lo visible, a otro trabajo de pensamiento, hecho con palabras. Sabiendo siempre que con palabras no se puede realmente llegar a las obras, sabiendo que no se da nunca perfectamente en el blanco. En el mejor de los casos, se hace un gesto que de alguna manera corresponde a la obra. En el mejor de los casos, se logra abrir un buen espacio de conversación en torno a ella.