La publicación recoge los artículos publicados en el periódico The Nation, escritos en su mayoría entre 1993 y 2000, con motivo de diversas exposiciones monográficas temporales. En sus comentarios, Danto se centra indistintamente en la obra de los maestros del pasado (Vermeer, Tiepolo), en los grandes pintores de la modernidad (Dalí, De Kooning, Kline, Rothko, Johns) y en los descendientes de Andy Warhol que aún dominan la escena neoyorquina. Si Nietzsche tituló uno de sus ensayos "Cómo se filosofa a martillazos", estos ensayos de Danto son una verdadera lección sobre cómo ejercer la crítica de arte con una pluma, con respeto y consideración no sólo hacia los artistas, sino también hacia la propia naturaleza del arte en general.

Pese a la diversidad proyectada por la complejidad de estas relaciones, esta producción pareciera oponerse a todo imperativo de carácter trascendentalmente puritano; reniega de cualquier formalismo que resalte la pureza de los medios por sobre la crudeza del objeto denotado o connotado; en síntesis, privilegia la crudeza imaginaria de los hechos por sobre las mediaciones retraídas de las formas o de los juegos deudores de la estética clásica o modernista. En Chile, los formalismos a nivel estético nunca han sido decisivos a la hora de determinar las características culturales del país. Adolecen de una falta de frontalidad y crudeza propia de una sociedad y cultura carente de tradición monumental y abierta a los estímulos de una realidad permeable a los influjos constantes desplegados por el contexto internacional. Las obras de Juan Pablo Langlois, Patrick Hamilton, Gonzalo Díaz, Eugenio Téllez, Claudio Correa y Andrea Goic, seleccionadas en Juegos de Guerra, participan de una necesaria estética de la frontalidad, implementada en conciencia respecto de las mediaciones específicas del arte; reafirman que la crudeza del discurso estético requiere de una vuelta imperativa a los desacreditados poderes de lo objetivo y referencial; la severidad de lo real supone su mediación. La crudeza en materias estéticas oscila entre el objeto y su mediación. Toda mirada perifórica es objetiva (nítida y perfilada) y turbia a la vez.

Este ensayo trata de proponer una serie de lecturas acerca de distintas manifestaciones artísticas, surgidas a lo largo del siglo XX, que no pueden entenderse sin una perspectiva transversal que tenga en cuenta los símbolos, signos y significaciones que la sociedad ha ido imprimiendo a las representaciones de la sexualidad y, por ende, a las que se atribuyen a hombres y mujeres. Estas cuestiones de género son cambiantes y están sometidas al discurrir de los avances sociales, políticos, científicos y culturales que han ido modificando los papeles que se adscriben al sujeto moderno y contemporáneo, que carecería de imagen y representación visual sin el empuje de los diferentes movimientos feministas. También es destacable el estudio de la temática gay/ lésbica, y el impacto de la reciente teoría Queer, que cuestiona la existencia de identidades fijas en relación con los comportamientos y las orientaciones sexuales.

Examina los paralelismos existentes en la evolución reciente del arte y la arquitectura en el ámbito internacional. Los límites se desdibujan a medida que objetivos y actitudes convergen. Las intervenciones y los lugares se parecen cada día más. El espacio de tiempo que abarca este estudio comprende las dos últimas décadas del siglo xx (1978-1998). El libro consta de dos partes. En la página izquierda de cada capítulo se muestra la obra de un artista y en la de la derecha, la de un arquitecto. Las obras aparecen reunidas según conceptos y presentadas en ocho apartados que identifican las características más importantes de cada proyecto.

Análisis de las consecuencias derivadas al vincular arte, cuerpo y nuevas tecnologías en las culturas y sociedades actuales: frente al culto al cuerpo, ahora el cuerpo está obsoleto y por eso ha sido modificado, diseccionado o metamorfoseado, sin perder en ningún caso su protagonismo.

Hasta la época del sesenta el arte de acción no empieza a desarrollarse tal y como lo entendemos hoy, y hay que esperar hasta los setenta para que sea aceptado como un medio artístico con derecho propio, consiguiendo que los principales centros de arte internacionales se interesen por sus actividades. El happening, la acción y la performance se cuentan entre las expresiones artísticas más fructíferas a lo largo de toda la segunda mitad del siglo XX. Gracias a ellos, el estatuto tradicional de "obra de arte" se ha desmoronado y el artista ha asumido nuevas funciones, mucho más próximas al papel de mediador que al de creador.

Se analiza el uso heterogéneo y dispar que los creadores contemporáneos han venido haciendo con la fotografía en las últimas cuatro décadas, en las que resulta complejo delimitar la frontera entre la fotografía de creación y cualquier otro tipo de práctica fotográfica, pues buena parte de estos artistas han promovido la "amateurización" y el mestizaje del medio fotográfico como recurso estético, contraviniendo las tesis clásicas que defendían el virtuosismo o el profundo conocimiento técnico como condición indispensable para legitimar cualquier discurso genuino de autor.